...

Peccato che sia una sgualdrina

by user

on
Category: Documents
0

views

Report

Comments

Transcript

Peccato che sia una sgualdrina
���������������������
���������������
��������������
���������
���������������
��������������
������������
������������
��������������������������������
�������������������
�������������
info:
www.teatrofrancescocilea.it - www.reggiocal.it
e-mail: [email protected] / +39 0965.312701 / +39 0965.895162
����������������������������������������������������������������
����������������
�
�
�����������������
���������������������
������������������������������
��������
���������������
Teatro Stabile del Veneto - Teatro Biondo Stabile di Palermo - Fondazione Atlantide Teatro
Stabile di Verona GAT - Spettacolo allestito in collaborazione con il 61° Ciclo di Spettacoli
Classici del Teatro Olimpico di Vicenza
Peccato che sia
una sgualdrina
di John Ford
traduzione
Enrico Groppali
Adattamento
e regia
Luca De Fusco
Personaggi e
interpreti, in ordine
di apparizione
Frate Bonaventura
Piergiorgio Fasolo
Giovanni
Stefano Scandaletti
Vasques
Enzo Turrin
Grimaldi
Matteo Mauri
Florio
Alberto Fasoli
Soranzo
Max Malatesta
Putana
Anita Bartolucci
Annabella
Gaia Aprea
Bergetto
Giovanna Mangiù
Ricciardetto
Paolo Serra
Ippolita
Alvia Reale
Il Cardinale
Piergiorgio Fasolo
«Ma chi me l’ha fatto fare a imbarcarmi in un’impresa così difficile e pericolosa con il rischio di
fallire dove molti altri hanno fallito e con il rischio
supplementare di apparire presuntuoso per il solo
fatto di averla voluta tentare, un’impresa simile?»
Molte volte mi sono rimproverato in questo modo
a partire dallo scorso agosto, periodo in cui presi
la decisione di raccogliere l’invito dell’Accademia
Olimpica che immaginava un Ciclo del cinquecentenario palladiano composto dall’inevitabile Edipo
e da un testo elisabettiano. Nell’ambito di questo
repertorio veniva poi consigliato l’allestimento di
Peccato che sia una sgualdrina di John Ford per
rinverdire l’unica messa in scena italiana di questo
capolavoro maledetto, che abbia lasciato positiva
memoria di sé: quella di Roberto Guicciardini del
1974. In realtà quello che per gli Accademici può
essere un buon motivo di riproposizione, per un
regista può non avere lo stesso valore. È infatti difficile confrontarsi con una rappresentazione della
quale rimangono solo splendide immagini e della
quale il pubblico di allora ha conservato un ricordo
ancora più bello, cancellando o attenuando anche
i difetti inevitabili dello spettacolo. Perché, allora,
mettere in scena un testo così difficile? Innanzitutto per un motivo molto semplice: sono convinto di
avere a disposizione la compagnia giusta; di poter
disporre, cioè, di un gruppo di giovani di grandissima qualità come Gaia Aprea, Max Malatesta, Stefano Scandaletti, mescolati a un gruppo di ottimi
attori più adulti quali Anita Bartolucci, Enzo Turrin,
Alvia Reale, Paolo Serra e Piergiorgio Fasolo. Tutti
loro costituiscono quell’essenziale ensemble senza
il quale non si può pensare di mettere in scena un
testo come la Sgualdrina in cui tre giovani sono
chiamati a prove da primi attori e per molti altri
ruoli sono richiesti interpreti di valore. Penso poi
che quella di Ford sia una straordinaria trama che
avvince con la sua imprevedibilità. Il testo non è
perfetto e può giovargli qualche sfoltimento di
verbosità eccessive e anche l’accorpamento di
qualche personaggio importante per l’intreccio,
ma senza una convincente autonomia (mi riferisco
a Donato). Alcune “scene madri” però, e segnatamente quelle di Annabella, personaggio di cui Ford
sembra essere innamorato, sono autentici gioielli
di teatralità e di poesia. Penso, ad esempio, alla
scena tra Soranzo e Annabella in cui immaginiamo
la protagonista offrirsi inerme e rassegnata come
un agnello all’ira del marito e poi invece la vediamo
tenergli testa con la forza e la fierezza di una leonessa. Il principale motivo di fascino del testo sta
però nella sua enigmaticità. Mentre lo si legge ci si
chiede continuamente quale sia il motivo di fondo
che ha portato Ford a scrivere una storia così strana,
una versione così “nera” di Romeo e Giulietta, che
tocca i nervi scoperti di uno dei pochi tabù ancora
vivi nella nostra società, quello dell’incesto, difficile da assorbire oggi e quindi ancora di più nella
società inglese dell’epoca giacomiana. Studiando
il testo mi sono convinto che alla base ci sia una
struttura oscura, forse inconsapevole allo stesso
autore, ma che si legge in filigrana in modo sottile
e pregnante. Questa filigrana sta alla base del testo
e gli fornisce la sua primaria identità. Alcuni segnali
emergono a darci tracce del disegno. Il nome della
governante di Annabella, Putana, che è dichiarato in italiano anche nel testo inglese, è troppo
didascalico per essere casuale e fa intuire che ci
troviamo dentro una pièce “a tesi” e non basata su
un intreccio naturalistico che escluderebbe anche
la programmatica “cattiveria” di quasi tutti i personaggi che circondano i protagonisti (da Vasques a
Putana, da Soranzo a Ippolita). Perfino le vittime
(Ricciardetto) invece di suscitare in noi commiserazione ci diventano da subito antipatiche con la
loro vile volontà di vendetta. Che dire poi del Cardinale, protagonista di una scena talmente forte
e dimostrativa da sembrare uscita dalle pagine di
Brecht? Ecco, il riferimento a Brecht non è casuale:
serpeggia nel testo un’intenzione dimostrativa in
cui si capiscono le tesi “collaterali”, ma non quella
di fondo, tanto da far parlare di una “sacra rappresentazione atea”. Andando avanti nella lettura
degli studi sulla Sgualdrina mi sono reso conto che
era generalmente sfuggito un aspetto che invece
a me sembra di essenziale importanza. La scena
della morte di Annabella è di solito nota per la sua
irrapresentabilità oltre che per il suo carattere da
grand guignol tipico del teatro elisabettiano. C’è
inoltre chi ha notato come la pugnalata di Giovanni sia un estremo atto erotico, ma non viene spesso
rilevato un altro aspetto dell’assassinio della protagonista. Uccidere una giovane, estirparle il cuore
e offrirne la vista a una comunità, è un rituale sacrificale tipico di moltissime civiltà. Questo aspetto
rituale della “scena madre” della tragedia illumina
di sé l’intera opera. Annabella viene ritratta dolce
e candida proprio per dare più significato al suo
sacrificio. Venivano infatti sacrificate agli dei le
ragazze più immacolate, le “Ifigenie” della comunità. In questo caso Ford ci ritrae uno scenario
sociale fatto sostanzialmente di “mostri”, in cui i
due peccatori spiccano per il loro alone romantico
e non per la loro perversione. Dopo aver amato, e
averci fatto amare, Annabella e non il cardinale o
il frate, ovvero la eroina negativa e non quelli che
dovrebbero essere positivi, Ford la manda a morte
crudelmente e ritualmente, come se venisse sacrificato il “capro espiatorio” della comunità. Quello
del capro espiatorio mi appare oggi come il vero
disegno in filigrana del testo: una comunità corrotta e mostruosa sacrifica la propria “Ifigenia” come
atto purificatorio e così riaffermando l’inviolabilità
del tabù dell’incesto. Se persino alla dolce Annabella tocca essere uccisa orribilmente, offrendo il
cuore agli dei, ciò significa che il tabù dell’incesto
è inviolabile e assoluto.
Ho immaginato quindi l’intero spettacolo come
una sacra rappresentazione di strani e misteriosi
officianti, aperta e chiusa da una processione che
all’inizio manca della statua di culto e la trova, nel
finale, nel cadavere stesso di Annabella. Abbiamo
deciso, con Antonio Fiorentino, di rispettare il praticabile elisabettiano classico come struttura, ma
di trasformarlo in una grande specchiera, omaggio
allo spettacolo di Guicciardini che partiva dall’uso
scenografico dello stesso materiale. Diceva Borges
che «gli specchi dovrebbero aspettare un attimo
prima di “riflettere” le immagini che contengono».
Il nostro specchio da una parte racconta l’amore
narcisista dei due ragazzi - che amano nell’altro la
figura che meno li allontana da sé stessi -, e dall’altra racconta anche l’oscuro rapporto che lega i
due protagonisti alla comunità che dapprima li
esalta, poi li punisce crudelmente e che alla fine, a
mio avviso, ne dimenticherà le colpe, riabilitandoli
nella memoria come si fa con le vittime sacrificali.
Anche la scelta dei colori dei costumi, fatta insieme a Maurizio Millenotti, ci ha fatto comporre una
specie di film in bianco e nero, con un unico colore,
il rosso e le sue variazioni, a spiccare con forza. Una
colonna sonora di musica sacra - in parte citata, in
parte composta da Antonio Di Pofi per l’occasione
– accompagna l’intero spettacolo per riaffermare il
carattere di sacra rappresentazione del testo.
Con queste premesse partiamo per la nostra “impresa impossibile”, motivati da un’idea interpretativa del testo, che mi sembra non banale, e dal gusto per la sfida che è la vera risposta alla domanda
iniziale: «Chi me l’ha fatto fare?».
Luca De Fusco
scene Antonio Fiorentino
costumi Maurizio Millenotti
musiche Antonio Di Pofi
luci Emidio Benezzi
coreografie
Alessandra Panzavolta
maestro d’Armi
Francesco Manetti
regista assistente
Alessandro Maggi
costumista collaboratore
Irene Monti
assistente volontaria
per i duelli
Valentina Calandriello
suggeritrice Elena Polic Greco
direttore di scena
Antonio Paguni
primo macchinista
Pier Carlo Mauri
capo elettricista
Gianni Raggi
attrezzista Matteo Mauri
capo sarta Lauretta Salvagnin
amministratore di compagnia
Alessandro Vadilonga
Scene realizzate dallo Studio di
Scenografia del Teatro Stabile
di Catania
direttore dell’allestimento
Franco Buzzanca
capo macchinista costruttore
Santo Floresta
Fly UP